Y bueno, seguimos con la segunda parte de esta breve introducción a la música contemporánea. He de confesar que me alegró ver el interés por parte de muchos lectores. Cabe resaltar que no puedo listar a todos los compositores contemporáneos porque sería casi interminable. De la pasada lista obviamente faltan muchos contemporáneos como: Prokófiev, Stravinsky, Alban Berg, Charle Ives, Shostakóvich; entre otros. Pero justo lo más importante de esta nota es levantar el interés, gracias.
En la nota pasada nos habíamos quedado con Stockhausen, compositor alemán que experimentó mucho en terrenos electrónicos.
Hay que tener en cuenta que después de la segunda guerra mundial hay un cambio drástico en la escena artística. Muchos autores emigraron a otros países, por lo tanto se descentralizó el ombligo cultural que había sido por mucho tiempo Europa. Los avances tecnológicos apoyaron en muchos sentidos, entre estos aparecieron nuevos instrumentos que revolucionaron a la escena musical y no necesariamente en terrenos de composición sino de difusión, como la radio. Es aquí cuando la música comienza a difundirse a un nivel mucho más amplio y se rompe la barrera elitista en la cual sólo la clase alta tenía la posibilidad de asistir a un concierto y disfrutar la música académica. También, esto permitió que comenzara a llegar mucho más fácil la música popular o académica de todas partes del mundo, trayendo nuevas tonalidades, ritmos, instrumentos, etc. Todo ésto provoco inquietud expresiva por parte de los compositores que mencionaré en adelante.
La Monte Young
La Monte Young es considerado el primer compositor minimalista y el padre de la música con tonos largos. Su música es considerada la más radical e importante después de la Segunda Guerra Mundial, calificada como avant-garde. Es uno de los pioneros en la música drone y hasta compuso obras de una sola nota. En sus inicios estuvo inmerso en el jazz en el cual destacó y tocó con grandes compositores del momento. Después se dedicó a estudiar composición y música electrónica, aprendió de sus contemporáneos como John Cage, quienes se encontraban con la misma inquietud de experimentación. Estudió a los clásicos a una edad ya tardía y de hecho, en una entrevista que se le realizó, mencionó que el primer ruido que lo influenció de por vida fue el de la misma naturaleza, que indudablemente se percibe en sus obras. Por mucho tiempo recibió críticas por sus declaraciones del uso de drogas como la mariguana, LSD y el peyote, en donde mencionó que sólo son herramientas con la cuáles uno puede conectarse a sí mismo a través de sus efectos y la música.
Steve Reich
Steve Reich es considerado otro de los pioneros en la música minimalista. Experimentó por mucho tiempo con elementos electrónicos como loops (grabaciones que se repiten innumerables veces) en cintas de casete, con la reatroalimentación de micrófonos y múltiples experimentos con órganos. Aunque después de un tiempo se alejó de la experimentación con elementos electrónicos, y se dedicó a explorar nuevos terrenos de expresión artística a través de ensambles instrumentales, principalmente. Mucha inspiración de Reich recayó en el procedimiento llamado “phasing”, descubierto por él mismo cuando escuchó dos cintas magnéticas reproduciéndose simultáneamente pero con cierto desfase en tiempo. Una de sus obras más reconocidas en la cual aplicó este procedimiento es en “Music for 18 Musicians”, en la cual resalta la belleza que se genera a través de distintos patrones rítmicos interpretados por distintos instrumentos.
Pd. En este concierto Steve Reich tocó el piano junto al Ensemble Modern de Frankfurt.
Philip Glass
Desde sus primeros estudios Philip Glass se reconoció por una inquietud dominante. Estudió a los clásicos y en ocasiones algunos, afirmó, no le causaron sentimientos. Estudió mucho tiempo en Francia, en donde conoció al músico Ravi Shankar, quien le introdujo la curiosidad al budismo y que provocó que Glass fuera al norte de la India por cuestiones religiosas. A su regreso a Nueva York renunció a sus anteriores composiciones y mostró la inquietud de componer de otra forma. Sus primeras obras experimentales se destacaron por ser austeras y con uso de ritmos aditivos (esto quiere decir que los acentos no eran constantes). Glass pasó por momentos difíciles en los cuales tuvo que crear el Philip Glass Ensemble para poder llevar sus composiciones a pequeñas salas o sedes underground. Le costó tanto trabajo poder consolidar su personalidad sonora y que ésta fuera entendida por el público que por mucho tiempo trabajó de taxista y electricista. Lo que permitió a Glass poder consolidar su música y fama fue gracias a que comenzó a componer temas un poco más accesibles para los oyentes, y su incorporación y participación con múltiples músicos como David Bowie, Brian Eno, Robert Wilson; entre otros. Es muy criticado por algunos puristas ya que consideran su música sin estética y falta de rigurosidad. Sin embargo, definió su personalidad en composición y ha dejado mucho legado a lo largo de su carrera.
Luciano Berio
Luciano Berio fue un compositor italiano que destacó por sus composiciones experimentales para orquesta y en música electrónica. En la Segunda Guerra Mundial fue reclutado y herido en la mano el primer día de su servicio, lo que le dificultó en el futuro seguir su carrera como pianista y dedicándose de lleno a la composición. Mucho del trabajo de Berio es reconocido por incluir diversos textos y el manejo de la “palabra” y voz de forma inusual dentro de sus composiciones; también su técnica fue nombrada “collage” ya que en varias ocasiones tomaba fragmentos de distintos compositores y ponía a la orquesta a interpretarlos simultáneamente. Mucho de su trabajo fue influenciado por su amigo Umberto Eco, creando así actos analíticos en los que sus obras eran sumamente cuidadosas en el manejo de las palabras, mitos, historias y en las que concluían en obras compuestas en relación sonido-imagen.
Olivier Messiaen
Oliver Messiaen fue un compositor, organista y ornitólogo francés. Su trabajo se caracteriza por incluir muchos elementos influyentes en su vida; por ejemplo, padeció sinestesía, lo cual le permitía ver colores a través de la música; era un ferviente amante de los pájaros y declaró que éstos eran los mejores músicos de la naturaleza. Mucho tiempo se dedicó a transcribir el canto de los pájaros y los incluía en sus obras; tenía una concepción personal acerca del tiempo y música; además, incluía temas muy profundos a cerca de la religión (tocó toda su vida el órgano en la iglesia de la Santa Trinidad en París). Por lo tanto, su trabajo es muy identificable gracias a estos elementos. Como dato curioso durante la batalla de Francia fue reclutado como prisionero de guerra y allí compuso su obra “Quatuor pour la fin du temps” (Cuarteto para el fin del tiempo) la cual su audiencia fueron presos y vigilantes.
Uno de los instrumentos favoritos de Olivier fue el Ondas Martenot, instrumento electrónico inventado en 1928 por Maurice Martenot, el instrumento ofrece una gran cantidad de altas y bajas tonalidades parecidas a un theremin pero con la diferencia de que en este instrumento sí es necesario tocarlo. Esta obra fue compuesta para 6 Ondas Martenot.
Arvo Pärt
Arvo Pärt es un compositor de Estonia bastante conocido, aclamado y respetado dentro de la escena musical contemporánea. Sin embargo, alcanzar dicho renombre le costó mucho trabajo a Pärt, quien se encontró geográfica y políticamente bajo el control de la Unión Soviética y Alemania Oriental (por algunos años). En un principio, parecía que Pärt no se vio afectado pero conforme iba creciendo su inquietud por la experimentación (al igual que todos sus contemporáneos) lo llevó a crear obras inspiradas en el neoclasicismo (entre ellos Bártók), después experimentó en el dodecafonismo (Schoenberg) y demás expresiones contemporáneas, lo cual culminaba en un enfado atroz por parte de los burócratas culturales soviéticos que prohibían o tachaban sus composiciones. Esta limitación afectó por mucho tiempo a Pärt, a quien (casi) se le obligó a estudiar de forma clásica. Mucha obra de este periodo tiene estructuras muy clásicas; sin embargo, el singular manejo en melodías por parte de Pärt jamás se esfumó. Comenzó a tener renombre a partir de sus últimas composiciones, que al ser exportadas a occidente, inmediatamente se reconoció la genialidad del autor. El trabajo de Pärt es muy peculiar y sus composiciones jamás se establecieron bajo alguna técnica ni expresión en particular (aunque se le atribuye ser el pionero del minimalismo sacro por su inclusión de elementos o textos de la iglesia ortodoxa); se escucha la libertad y la genialidad nata que el músico trae desde pequeño sobre la cual sus profesores detallaron: “parecía que cuando se sacudía las mangas caían notas por todas partes“.
Iannis Xenakis
Iannis Xenakis es otro compositor ampliamente reconocido. También fue afectado por la Segunda Guerra Mundial y la guerra civil de su natal Grecia. Estuvo al borde de la muerte por su activismo político, por lo que al terminar su carrera como ingeniero, huyó rumbo a Francia en 1947. Por mucho tiempo trabajó con ingenieros y arquitectos en la construcción de muchas obras arquitectónicas importantes, y en paralelo comenzó a estudiar composición hasta que llegó con el maestro Olivier Messiaen, quien entendió de inmediato la concepción compleja que Iannis proponía. Su carrera como ingeniero influyó mucho en sus composiciones que se identifican por crear masas o cuerpos sonoros a través de múltiples texturas basado en leyes estadísticas o probabilísticas. Este es el principal legado de Xenakis, una forma distinta de ver la composición. También experimentó en terrenos de música electrónica, en la cual realizó obras de composición musical algorítmica. Una de sus obras más reconocidas es Metástasis.
Mauricio Kagel
Mauricio Kagel es un músico, compositor y director de cine argentino. Su trabajó derivó en muchos terrenos y fue influenciado por el surrealismo de Borges y Dalí. Fue muy reconocido por sus singulares obras y sentido del humor. En su trabajo incorporó cualquier tipo de objeto utilizándolo como instrumento, y grabaciones de diversos paisajes sonoros cotidianos como callejeros que “ilustraban” sus obras. Trabajó mucho en recursos dramáticos a través del lenguaje musical, lo cual terminó en obras con sumo peso en expresión e interpretación. Dentro de sus obras más destacadas está la película Ludwig Van, que se realizó en el marco del bicentenario del nacimiento de Beethoven. Dicha película sorprendió a todos ya que no fungió en idolatrar al emblemático compositor sino mostrar de una forma muy irónica aspectos de su vida cotidiana y características que enmarcan sus composiciones. Creo que el siguiente video ayudará a entender más la imaginación de Kagel, su humor y concepción de la música.
Brian Eno
Brian Eno es otro reconocido compositor que hasta hoy en día sigue publicando y colaborando con múltiples artistas en distintos géneros. Primero tocó con la banda Roxy Music, en la cual a partir de su salida comenzó a componer en solitario. Muchas de sus obras son consideradas minimalistas y pilares esenciales en la música ambient. Brian Eno ha declarado que su principal influencia fue La Monte Young y que gracias a sus aportaciones él pudo consolidar su estilo y género. Mucho de su trabajo se desarrolló como productor de diversos músicos de pop como Camel, Travis, Coldplay, James, etc. Realmente es uno de los compositores más activos y movidos dentro de la escena musical y artística. Dentro de las obras más destacadas (y mi favorita de todas sus obras) está la serie Ambient: Music for Airports, obra compuesta para ser reproducida de modo continuo en una sala de espera del aeropuerto con la finalidad de romper la tensión que se sufre en dichos espacios; principalmente inspirado cuando Eno quedó atrapado en un aeropuerto en los 70.
Y bueno, nuevamente, si llegaste hasta aquí muchas gracias. Puede que la lista continué y termine con una tercera parte… pero aún no lo sé.
T: @hreveh
