El fin de 2019 también representa el cierre de una década, la cual se definió a partir de los cambios en el discurso de todas las industrias, incluida la del cine. Cuando creímos haberlo visto todo (considerando que un par de años antes arrancaron las enormes producciones del MCU y James Cameron, en 2009, había liberado la película más taquillera en la historia), comenzaba una nueva etapa en el entretenimiento que nos preparó para los distintos giros como el reinado del streaming, la manera en la que ahora se hacen y se consumen las películas, y el hecho de que ahora los estudios se discuten, casi en cuestión de meses, el primer lugar en el blockbuster internacional (no se sorprendan cuando lleguemos a los 4 mil millones).
Así que sí, en 10 años, de 2010 a 2019, las cosas han cambiado bastante, y aunque podamos pensar que no para bien, en realidad ha sido una ventana de oportunidades en cuanto a la reinvención de géneros, el regreso de historias que creíamos sólo podían vivir en el pasado, y el cine como una manifestación de las realidades en el mundo que, de buena fortuna, no olvida que uno de sus primeros objetivos también es sacarnos una sonrisa de emoción y felicidad en medio de una sala oscura.
Para abrir una enorme conversación de esas “oportunidades”, hemos de mencionar las 100 películas más importantes de la década, aquellas que impactaron la cultura popular y la definieron con nuevas reglas, las nuevas propuestas (esas cintas con las que estás seguro nunca habías visto algo igual) que nos emocionaron, las que generaron mayor conversación y las que nos hacen, simplemente, amar el cine.
Nota: No se trata de un ranking, sino de un listado “aleatorio” que no pretende calificar las películas, sino hablar de ellas de cualquier forma.
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Parasite (2019)
En mayo de 2019, Corea del Sur se llevó la Palma de Oro con Parasite de Bong Joon-ho, una película que,a diferencia de toda la filmografía de Bong, no termina donde empieza, sino todo lo contrario: termina siendo una cosa completamente distinta, y eso es lo que la hace tan grandiosa. Acá conocemos a la familia Kim, la cual se encuentra desesperada por el desempleo y la pobreza. Las cosas cambian cuando Ki-woo, el hijo, encuentra trabajo como profesor particular de inglés de Da-hae, la hija de los Park, una familia sumamente adinerada.
Poco a poco, en Parasite, toda la familia Kim comienza a trabajar para los Park como terapeuta, ama de llaves y chófer. Lo que parece una comedia crítica de dos familias en los extremos de la sociedad, termina con una comedia negra sobre tres familias y la globalización, y no sólo eso, sino también un brutal drama del que la audiencia no puede escapar.
El club (2015)
El chileno Pablo Larraín se ha ganado un lugar en el cine internacional, y lo tiene bastante merecido con sus producciones en inglés (Jackie es una película inteligente), pero sobre todo con la carrera que ha construido en su natal Chile, y una de esas pruebas es El club de 2015. Esta cinta nos muestra a un grupo de sacerdotes que se encuentran de “retiro”, y son custodiados por una monja severa. Todos ellos han sido castigados por las autoridades eclesiásticas por cometer delitos que van desde pederastia hasta venta de niños.
La película es tan siniestra en la medida que se apega a la realidad, sobre todo cuando aparece un hombre que señala directamente el acto de uno de los padres, desatando las dudas en el pueblo y redefiniendo su cotidianidad hacia una perversa dinámica marcada por los secretos, la culpa y la justificación.
Blue Valentine (2010)
Distintos directores han explorado el principio y el fin de las relaciones sociales, sobre todo las de pareja. Sin embargo, pocas veces se ha hecho en la forma en que Derek Cianfrance en Blue Valentine de 2010, una película que se sigue por su nombre y que explora los detalles de una relación en decadencia, o mejor dicho, un matrimonio tóxico. Ryan Gosling y Michelle Williams interpretan a Dean y Cindy, un matrimonio con una niña de tres años que va de mal en peor: él ha perdido el cabello y ella está cansada y estresada por asumir la mayor parte de las responsabilidades.
Cianfrance, con vistazos al pasado mientras vemos el día de la pareja, nos presenta cómo se conocieron y cuáles fueron los elementos clave que definieron una relación que estaba destinada al fracaso. Blue Valentine está llena de momentos determinantes que se potencian con las grandes actuaciones de Reynolds y Williams en sus dos etapas: en la que se prometen amor eterno, y en la que se olvidan de aquellas promesas.
Force Majeure (2014)
Quizá el nombre de Ruben Östlund no sea tan conocido, pero dio mucho de qué hablar en 2017 cuando se llevó la Palma de Oro por The Square. Sin embargo, antes de su triunfo en Cannes, tuvo una película que podría definir su filmografía. Se trata de Force Majeure de 2014, una comedia con tintes de drama (y viceversa) que hace un ejercicio interesante en cuanto a la confianza, las relaciones matrimoniales y el rol que debe jugar cada persona con base en las definiciones culturales. La película nos presenta a Tomas y Ebba, un matrimonio que lleva de vacaciones a sus hijos a los alpes. Mientras se encuentran en el hotel, la familia presencia una avalancha controlada que obliga al padre a huir… cambiando la perspectiva de su familia para siempre.
La película hace una comparación simbólica de la avalancha real que desató (consecuentemente) una avalancha emocional que ha impactado la relación entre Tomas y Ebba, ni qué decir las personas a las que Ebba les cuenta la historia como sus amigos más cercanos. Los personajes y sus conversaciones, obligan al espectador a ser testigos de una crisis que no tiene vuelta atrás.
Toy Story 3 (2010)
Nadie esperaba una tercera parte de Toy Story, y menos después de 10 años (y un poquito más), de la salida de la segunda que parecía haber cerrado la historia de los juguetes de Andy. Sin embargo, Pixar volvió a sorprender a todos en 2010 con una película tan emotiva, que conmovió a nuevas generaciones, aquellas que crecieron con ellos, y los adultos. Para esta cinta, Andy de 18 años está a punto de ir a la universidad, dejando atrás a sus juguetes, todos menos Woody.
Después de una confusión, Buzz, Jessie y demás, caen en una guardería dominada por un muñeco autoritario que pone a prueba su amistad, pero más allá de eso, expone a los muñecos a definir la trascendencia de su existencia más allá de su objetivo principal, que es acompañar a un niño mientras crece.
The Hunt (2012)
Mads Mikkelsen es uno de los mejores actores de la actualidad que trabaja con un perfil bajo que superó las expectativas en 2012 cuando se llevó el premio a Mejor Actor en Cannes por The Hunt de Thomas Vinterberg. En esta cinta, Mikkelsen da vida a Lucas, un maestro de preescolar que está peleando por la custodia de su hijo. Después de no aceptar el regalo de una niña (hija de su mejor amigo), esta comienza a decir que Lucas pudo haber abusado de ella.
Una pequeña mentira desata un infierno para Lucas, quien sólo cuenta con el apoyo de su hijo para atravesar un proceso que termina con su vida como la conocía antes. El trabajo de Mikkelsen es grandioso y tan potente, que la historia no necesita dejar en el aire la posible culpabilidad o inocencia del personaje, sino todo lo contrario, desde un principio deja clara la premisa central del filme.
Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (2014)
Birdman le dio a Alejandro González Iñárritu un histórico Oscar como Director y a Emmanuel Lubezki uno por Fotografía. La película se llevó otros dos premios importantes (Película y Guión Original) al retratar a Riggan Thomson, un actor famoso por su personaje de superhéroe que busca encontrar de nueva cuenta una buena reputación en el teatro con una adaptación del trabajo de Raymond Carver.
Lo más destacado de este filme, además de las actuaciones de Michael Keaton y Emma Stone (con especial atención), es el trabajo en la fotografía de Lubezki, quien junto a Iñárritu trabajó en el diseño de lo que parece ser una sola toma, es decir, el plano secuencia que fue trabajado desde el guión y con la intención de seguir la historia del protagonista en sus puntos más vulnerables. Birdman es considerada como una de las mejores películas de 2014 y uno de los trabajos más estéticos de Iñárritu (quien cuenta en su filmografía con cintas como Biutiful).
The Act Killing (2012)
“Inmediatamente supe que nunca había visto algo así”, dijo Werner Herzog cuando vio unos cuantos minutos de The Act of Killing, el documental de Joshua Oppenheimer que recrea la masacre de millones de personas en Indonesia en la década de los 60. El líder responsable de esas muertes, fue quien dirigió estas recreaciones de una aparente ficción basada en hechos reales, demasiado reales para quien se enfrenta con la historia a través de este trabajo.
El documental ha sido tratado, incluso por el mismo director, como un trabajo de investigación de uno de los sucesos más terribles del siglo XX, algo que también ha explorado Herzog en sus anteriores trabajos, pero con una narrativa distinta que apunta al miedo y el hombre como centro de su propia creación sin importar si esta se trata de un infierno para el ser humano como individuo y sociedad.
November (2017)
November es una película como pocas, o mejor dicho como ninguna. Rainer Sarnet mezcla distintos géneros que van del horror al suspenso, sin dejar de lado los toques románticos y la comedia (de humo negro, eso sí). Filmada en blanco y negro, November tiene como protagonista a Liina, una joven mujer de una aldea del siglo XIX en Estonia. Liina está enamorada de Hans, quien se enamora de una nueva chica de belleza extraña. Para procurar su unión, Liina recurre a la magia negra, algo que no es raro si consideramos que a lo largo del filme, vemos desfilar cientos de “kratts” (objetos que se mueven hechos de cualquier cosa).
Esta cinta parece un cuento de hadas, pero alejado de la simbología de la narrativa occidental. Aquí, los muertos suelen regresar y deambular por el bosque, emitiendo opiniones sobre el más allá y cenando con sus familiares o vecinos, a quienes les deben decir algo importante, al parecer. November está filmada en blanco y negro, porque de otra forma sería “grotesco”, bajo una fotografía que pocas veces es lograda con un solo contraste. Este filme es, sin duda, una de las mayores expresiones del folclore de Europa.
The Dark Knight Rises (2012)
Nos hemos de acostumbrar a ver películas de superhéroes en listados de nominaciones, galardonados y lo mejor de un año (o una década). Y esto se lo debemos, en gran medida, a la trilogía de Batman de Christopher Nolan que arrancó en 2005 con Batman Begins, siguió con The Dark Knight de 2008 y culminó en 2012 con The Dark Knight Rises, todas protagonizadas por Christian Bale como Bruce Wayne. El secreto de estos filmes, sobre todo los últimos dos, es la atención a la psicología del personaje principal, quien deja de ser un héroe a los ojos de las audiencias para ser un humano.
The Dark Knight Rises contó con la participación de Marion Cotillard y Tom Hardy, quienes encarnaron a los villanos de un filme que dejaron de lado el imaginario típico de una adaptación de cómic, para centrarse en el desarrollo real de un personaje que vive en una sociedad como la nuestra, la de la realidad.
The Witch (2015)
El terror es un género que se ha reinventado en los últimos años, y no necesariamente con propuestas grandes y comerciales, sino con producciones independientes que plantean de formas innovadoras las caras del miedo. Una de esas cintas es The Witch, el debut fílmico de Robert Eggers que triunfó en su año de lanzamiento y toma importancia con el tiempo. Esta película, ambientada en Nueva Inglaterra en 1630, sigue a una familia británica que debe abandonar su comunidad y sobrevivir sola en un bosque que parece estar maldito.
Todo cambia para esta familia cuando el bebé desaparece en manos de Thomasin (Anya Taylor-Joy), la hija mayor y a quien señalan como responsable sin serlo directamente. La ambientación de la película, los espacios oscuros y la narrativa de suspenso con la que juega Eggers, hace de esta cinta una de las más destacadas no sólo del año, sino de la década en cuanto al género de terror.
Call Me By Your Name (2017)
En 2017, Luca Guadagnino tomó por sorpresa a todos con un drama romántico gay, Call Me By Your Name, adaptación de James Ivory de la obra de André Aciman. Timothée Chalamet y Armie Hammer interpretan a Elio y Oliver, dos jóvenes de distintas edades que se enamoran durante un verano en Italia. La participación de otros personajes durante su romance, en el cual se reflexionan de distintos conceptos estéticos, conforman una película (coming-of-age) que destaca por la belleza de los escenarios y la sutileza de los diálogos.
Call Me By Your Name recibió varias nominaciones a los premios Oscar, incluido las más importantes como Mejor Película y Actor para Chalamet. Es una película con dos personajes homosexuales, pero que trasciende más allá de sí misma cuando contribuye a la representación no estereotipada de la comunidad, y las conversaciones alrededor del amor.
La vida de Adele (2013)
Abdellatif Kechiche tomó por sorpresa a Cannes en 2013 cuando presentó La Vie d’Adèle protagonizada por una desconocida Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, quien había aparecido en una cinta de Tarantino, pero dio el salto mundial con esta cinta francesa que tiene como protagonistas a dos mujeres que se enamoran, y que con el tiempo, ven cómo se derrumba su amor. La historia comienza cuando Adèle, una adolescente, se enamora perdidamente de Emma, una pintora de cabello azul (por eso en inglés es Blue Is the Warmest Color).
Su relación comienza de forma pasional, y la protagonista descubre aspectos de su vida que la llevan a descubrir formas distintas de placer, pero también de amor. Sin embargo, con el tiempo la relación se va deteriorando al punto en que existe una ruptura definitiva que las aleja sin que se pierda el cariño, sobre todo de Adèle para Emma. Las largas escenas de sexo y la duración misma de la cinta (poco más de tres horas), causaron controversia entre las audiencias que no evitaron que la película, justamente, se llevara la Palma de Oro.
El gran hotel Budapest (2014)
Wes Anderson es uno de los directores más queridos de la actualidad gracias al estilo que lo caracteriza de planos simétricos y colores pastel (sin entrar en detalles mucho más complejos y estéticos). En 2014, Anderson liberó una de sus películas más aclamadas con un elenco que lo ha seguido durante varios años de su carrera, The Grand Budapest Hotel.
Acá conocemos a Gustave, el gerente de un hotel de lujo en la década de los 30, que no sólo da un servicio excepcional en servicio del hotel, sino también a las señoras adineradas que se hospedan ahí. Así es como Madame D, después de morir en circunstancias extrañas tras dejar el hotel en el que estuvieron juntos, muere de forma repentina, heredando una importante obra a Gustav. Así es como este emprende una aventura junto a Zero, un botones, quien lo ayuda a limpiar su reputación mientras recorren todo tipo de escenarios para llegar a la verdad. Ralph Fiennes, Tilda Swinton, Bill Murray, Adrien Brody, Jeff Goldblum, Jude Law, Edward Norton y más, protagonizan esta película.
Ida (2013)
Hay películas que acumulan ciertas características que las hacen más potentes más allá de su historia gracias al trabajo de dirección sumado a otros elementos como la fotografía. Y ese es el caso de Ida de Pawel Pawlikowski (conocido por Cold War de 2018) de 2013, la cual se llevó una nominación para Mejor Película Extranjera en los premios Oscar. Filmada en blanco y negro, esta película polaca nos presenta a Anna, una joven de 17 años que está a punto de tomar sus votos definitivos en un convento en el que fue abandonada cuando era niña.
Antes de hacerlo, Anna contactada por una mujer que, supuestamente, es su familiar. Resulta ser Wanda Gruz, su tía, quien le revela algunos secretos de su pasado: es judía y su verdadero nombre es Ida. Ambas emprenden un viaje de revelación para que la novicia descubra quiénes fueron sus padres y qué fue lo que sucedió durante la guerra. Las actuaciones de ambas son espectaculares, pero es la cinefotografía la que se lleva el aplauso de una película que reflexiona sobre la inocencia y la identidad.
The Favourite (2018)
Uno de los años más cerrados dentro de los premios Oscar, fue la ceremonia de 2019 donde estuvieron nominadas en categorías principales grandes cintas, destacando ROMA de Alfonso Cuarón y The Favourite de Yorgos Lanthimos. Esta segunda, a pesar de que sólo se llevó un premios, se convirtió en un referente del cine a lo largo del año. Protagonizada por Olivia Colman, Emma Stone y Rachel Weisz, The Favourite nos lleva a la Inglaterra del siglo XVIII con la reina Anne, una mujer solitaria e infantil que sufre no sólo de dolencias físicas, sino también emocionales que la han hecho dependiente de Sarah, su consejera y amante.
Toda su dinámica de dominio y poder, cambia cuando llega Abigail, prima de Sarah, quien descubre el amor entre la reina y Sarah, apoderándose de algunos secretos que la llevan a convertirse en su segunda mano y posterior amante. Esta comedia negra lleva a la audiencia de las risas sobre lo absurdo a lo realmente perturbador en un escenario marcado por las traiciones, el deseo sexual y el cuerpo femenino.
Loving Vincent (2017)
Van Gogh es uno de los pintores más conocidos en el mundo, ni qué decir dentro del impresionismo donde dominó la técnica abordando temas que perduran en el tiempo como la cotidianidad, la soledad y la pobreza. Ahora, ¿se imaginan una obra de Van Gogh que se pudiera mover como si fuera una película? Eso es, precisamente, Loving Vincent, película de Hugh Welchman y Dorota Kobiela en la que cada frame, está dibujado a mano mientras se cuentan (bajo interpretación) los últimos días de vida del pintor holandés.
La historia podrá estar sujeta a diferentes juicios que se relacionan con la narrativa, el ritmo y hasta las actuaciones; sin embargo, la verdadera esencia de Loving Vincent se encuentra en que se trata, en el sentido más literal, de una pintura en movimiento, una pintura animada.
Before Midnight (2013)
Richard Linklater parece que se propuso hacer las películas con historias más largas. Boyhood duró poco más de 10 años (comenzó en 2002), pues siguió el crecimiento real de un joven. Sin embargo, la persistencia que más aplaudimos, así como el compromiso de los actores, es de la “Before Trilogy” protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy. Filmada en casi 20 años primero con Before Sunrise de 1995, Before Sunset de 2004 y Before Midnight de 2013.
Estas tres películas siguen los encuentros entre Jesse y Céline, dos jóvenes que se conocen mientras descubren Viena. Para la segunda entrega, con vidas completamente alejadas, se reencuentran en París donde descubren que hay algo más que lo mantiene interesados uno del otro a pesar de los nueve años de diferencia de su primer encuentro. Para la tercera entrega de 2013, descubrimos que Jesse no decidió seguir con su vida en Estados Unidos, y ahora forma una familia con Céline, quien está llena de dudas sobre su amor hacia su esposo.
La escena final de cinta, se describe con los mismos diálogos del personaje de Jesse: “No es perfecta, pero es real”. El cierre de la trilogía representa no sólo un momento importante dentro del cine, sino una forma de narrativa que analiza a mayor profundidad, el desarrollo de una relación dentro de un contexto real y posible.
Good Time (2017)
Los últimos meses, los hermanos Safdie (Josh y Benny) han dado mucho de qué hablar con el lanzamiento de Uncut Gems junto a Adam Sandler. Pero en realidad, se hicieron de un nombre en 2017 con la salida de Good Time protagonizada por Robert Pattinson en una actuación que le valió un lugar especial en la industria, y Benny Safdie. Este thriller urbano nos presenta a Connie, un vago y ratero de poca monta y Nick, su hermano que tiene una ligera discapacidad intelectual.
Cuando ambos intentan un robo, Nick es capturado por la policía, por lo que Connie debe rescatarlo en un juego cíclico de tragedias y problemas (irónicamente causados por un sujeto completamente “sano”). La película hace un recorridos por algunos espacios conocidos de Queens y Brooklyn, potenciados por la fotografía de Sean Price Williams en 35 mm.
Get Out (2017)
Jordan Peele ha mostrado ser perfecto para convertir las sátiras en cintas de terror y viceversa. En 2017, nos asombró a todos con Get Out, una película (el debut de Peele) que fue vendida como algo de terror, pero no en cuanto a lo sobrenatural y las historias que ya conocemos, sino por ser un retrato ficticio de un país, una América, que deliberadamente decide ser racista… Chris va a casa de los padres de su novia Rose para conocerlos. Cuando llega, se encuentra con comportamientos extraños en relación a su color de piel, los cuales son imitados por la comunidad entera.
Chris descubre que se trata de personas que “hipnotizan” a los afroamericanos y les extraen, por así decirlo, el alma. Todo esto con el objetivo de utilizar sus cuerpos (los cuales son genéticamente superiores) para que un blanco resida en ellos.
Portrait of a Lady on Fire (2019)
Este listado cuenta con dos de las películas sobre amor gay más estéticas y naturales de la década, y por eso no podría faltar la sorpresa de 2019 en manos de Céline Sciamma con Portrait of a Lady on Fire, un drama amoroso ambientado a finales del siglo XVIII donde dos mujeres, una pintora y una aristócrata, se enamoran y viven un apasionado romance. Marianne, interpretada por Noémie Merlant, da vida a una pintora que, por encargo, debe realizar el retrato de Héloïse (Adèle Haenel), el cual será enviado a su futuro esposo.
Héloïse, negada a sentarse, cautiva a Marianne mientras ésta sorprende a Héloïse por su libertad. La historia de amor entre estas dos mujeres va más allá de la sexualidad de cada una o las convenciones sociales en las que se ven obligadas a vivir. Portrait of a Lady on Fire es un legado feminista que no juega con los ideales de la actualidad ni pretende sumarse a un discurso determinado, sino habla, precisamente, de la libertad de amor y el poder de decisión.
A Separation (2011)
El año pasado, Asghar Farhadi tomó el riesgo de dirigir una película en un idioma que no comprende, en español. Sin embargo, no ha sido su primer decisión riesgosa, y de hecho, su carrera se construye en películas que desafían una imagen ya determinada culturalmente. Y así es como llegó en 2011 A Separation, un drama iraní sobre la ruptura de un matrimonio que se apega poco a lo tradicional, pero que deberá sobrevivir de las reglas. Simini tiene una carrera profesional y no puede cuidar al padre de Nader, quien sufre de Alzheimer.
Cuando Simini quieren pensar en salir de Irán para vivir con mayor oportunidades para ella y su hija, Nader se niega, desatando un conflicto que los lleva a pedir el divorcio. Pero antes de que todo se “arregle”, se desata una ola de problemas que llegan a partir de la contratación de una ama de llaves, una inesperada muerte y el dilema moral que enfrentan como pareja: ¿quién podría tener la razón moral?
La sal de la Tierra (2014)
Wim Wenders no sólo es un gran creador de ficciones que apelan al lado más humano de sus audiencias, sino también es un gran documentalista que son sensibilidad, ha logrado que sus historias reales se conviertan en algo más parecido a la ficción. Un claro ejemplo de ello es La sal de al Tierra, documental codirigido junto a Juliano Ribeiro Salgado, hijo del conocido fotógrafo brasileño Sebastião Salgado.
El documental hace un recorrido en las cuatro décadas de trabajo fotográfico de Sebastião, quien ha sido testigo de eventos humanos y naturales importantes como conflictos bélicos, migraciones, explotación de recursos naturales e individuos, hambrunas, y mucho más. La sal de la Tierra es un homenaje, a través de los ojos del brasileño, a lo que por naturaleza, nos hace humanos, incluido el dolor impartido por la violencia hacia la sociedad misma y contra lo que nos rodea.
Intensamente (2015)
En Pixar todo ha sido exitosamente posible. Juguetes con sentimientos, animales experimentando emociones, autos, monstruos, seres del pasado… y la pregunta que faltaba: ¿Qué sucedería si los sentimientos tuvieran sentimientos? No es una respuesta, pero es un recorrido el que se hace en Intensamente de Pete Docter (director de Monsters Inc. y Up). La protagonista de la historia es Riley, una niña que comenzará a vivir la adolescencia, experimentando distintas emociones que son guiadas por ellas mismas.
Así aparece Alegría, la líder del grupo de emociones que debe mantener todo en equilibrio. Tristeza, Furia, Miedo y Asco, todos ellos navegando en la mente de un niña que atraviesa distintos procesos emocionales relacionados a un evento: dejar atrás su niñez.
Lady Bird (2017)
Greta Gerwig, conocida por su trabajo como actriz (Frances Ha es una de sus más populares), debutó en 2017 en la dirección con Lady Bird, una comedia inteligente y rápida que pone como centro de su historia a Lady Bird, una adolescente que retoma muchas de las vivencias juveniles de la misma directora. Interpretada por Saoirse Ronan (una irlandesa cuyo acento californiano es completamente creíble), descubrimos a través de ella el principio del milenio, la moda, la música y hasta la percepción de la juventud de un futuro que, todavía, es incierto.
Algunos medios la describieron como una “carta de amor” a una de las peores épocas de la vida de una persona, pero en la que se define mucho de sí misma. Lady Bird fue nominada en categorías mayores como Mejor Película y Director.
