La categoría de Mejor Dirección podría ser la segunda más importante entre los reconocimientos que otorga la Academia con las estatuillas de los premios Oscar. La figura del director no sólo está para poner orden en un set, sino para llevar al mismo punto todas las partes que componen a una película: desde el casting y la forma en la que se desenvuelven los actores, hasta las partes de la historia que se quedan fuera o cobran relevancia. Y si bien la película no es el director, la afirmación sí se puede dar a la inversa: el diector es la película.
Considerando esto, nos sigue doliendo (mucho) la ausencia de Denis Villeneuve en la categoría de Mejor Director por Dune al tratarse de una de las producciones más destacadas y nominadas de este año. Sin embargo, y sin marcha atrás con esto, la categoría está llena de grandes cineastas que compiten fuertemente por el Oscar (AQUÍ les dejamos todos los nominados a los premios Oscar en este 2022). Por acá quisimos hacer un repaso de la que podría ser la película más destacada de Jane Campion, Steven Spielberg, Paul Thomas Anderson, Kenneth Branagh y Ryūsuke Hamaguchi.
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Jane Campion
Después de una larga pausa, Jane Campion volvió al ruedo con The Power of the Dog, una adaptación de la novela homónima de Thomas Savage de 1967 ambientada en la década de los 20. La historia tiene al centro a Phil Burbank, un vaquero de Montana, líder ganadero, que comparte su casa con su hermano George, de quien abusa verbal y psicológicamente ante una comunidad que lo considera un macho alfa, así como en la extraña intimidad de su casa.
Conforme avanza la película, se revela que nuestro protagonista atraviesa (desde hace mucho), una crisis de masculinidad asociada a un personaje del pasado. Las cosas se potencian cuando George, de manera sorpresiva, contrae matrimonio con Rose, una viuda y madre soltera del pueblo más cercano. The Power of the Dog recibió 12 nominaciones a los premios Oscar de este 2022, y es la favorita entre categorías como Mejor Película, Director y Guion adaptado. La cinta está disponible en Netflix.
The Piano
Desde el comienzo de su carrera, Jane Campion triunfó entre los circuitos de festivales más importantes. Llegó a Cannes en 1986 con su primer cortometraje titulado Peel, el cual se llevó la Palma de Oro al Mejor Cortometraje. Y ese triunfo funcionó como un presagio porque siete años después, volvería al festival para presentar su tercer largomatraje que le dio la mayor distinción (la primera para una mujer en la historia): The Piano.
Jane Campion dirigió y escribió The Piano con Holly Hunter como Ada, una mujer muda del siglo XIX que viaja desde Escocia a la costa de Nueva Zelanda junto a su hija Flora y un piano. Llega a este lugar, donde se encuentra los maoníes, para contraer matrimonio con Alisdair Stewart. Ada dejó de hablar cuando era niña, sin una razón aparente, y la única manera que tiene de comunicarse es con lenguaje de señas (interpretadas por su hija) y el piano.
A su llegada, Alisdair decide dejar el piano en la playa porque traerá muchos problemas su transporte. Por lo que Ada, un día, baja a la playa para tocarle, dando paso al primer encuentro entre ella y Baines (otro hombre blanco que se ha mezclado entre los maoíes). The Piano es una película que explota toda la sensualidad de una relación de poder, pero en la que ninguna de las partes se impone (ambos tienen algo que el otro desea más allá de sus cuerpos).
The Piano formula varias cuestiones que conforme avanza la película, se hacen más intensas y devastadoras, y de forma sorprendente, actuales: muerte, sexualidad reprimida, soledad, poder, traiciones. La cinta se llevó ocho nominaciones a los premios de la Academia (Película y Director) y un total de tres estatuillas para Campion por Guion original, Holly Hunter por Actriz y Anna Paquin por Actriz de Reparto (sí, tenía 11 años cuando se llevó el galardón).
Steven Spielberg
Steven Spielberg siempre soñó con realizar una nueva adaptación de West Side Story. Y en 2021 su sueño se hizo realidad al estrenar esta enorme producción que trajo de regreso a la espectacular Rita Moreno y el trabajo de Stephen Sondheim, quien escribió las letras de las canciones para el musical original de 1957. Así que, por donde se vea, este trabajo es grandioso apegándose más al trabajo de los 50 que la cinta de los 60. West Side Story recibió un total de siete nominaciones a los Oscar que incluyen Mejor Película y Director. Esta película está disponible en Disney+ y AQUÍ nuestra entrevista con Rita Moreno.
Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark
HBO Max
La filmografía de Steven Spielberg contempla más de 30 películas bajo su dirección (como productor y guionista, ni hemos hecho la cuenta). Por lo que es prácticamente imposible elegir una sola y decir que es la mejor de su repertorio, y con él se complican más las cosas porque sus elecciones han sido tan diversas, que cubren todos los géneros y hasta las décadas.
Sin embargo, si hemos de mencionar una que pueda llevarse el título de lo mejor de Spielberg (hasta escribirlo es raro), nos iríamos por Raiders of the Lost Ark. Sí, el director de Ohio tiene un montón de películas que asumen un impacto emocional sin precedentes como La lista de Schindler; marcaron un antes o un después como Jaws; y reunieron generaciones como con E.T.
La cosa es que todas estas cintas (que ocupan los primeros lugares entre listados de lo mejor) tienen un pequeño “pero”. En cambio, la primera entrega de Indiana Jones no tiene ni uno solo, es grandiosa. Es una cinta rápida, divertida que se construye con un montón de escenas rápidas que, aunque suene cursi, nos hacen pensar en las posibilidades del cine.
Raiders of the Lost Ark es una película de acción y aventura que no sólo nos presentó a una de las figuras más icónicas en el cine (en manos del fabuloso Harrison Ford), sino que sentó las bases para lo que veríamos después en este concepto de blockbuster que, de verdad, sólo le molesta a un tipo muy específico de espectadores. La cinta se llevó nueve nominaciones a los premios Oscar (Película y Director) y cuatro estatuillas más un premio especial.
Paul Thomas Anderson
Cuando vemos que una película trae el sello de Paul Thomas Anderson, podemos adelantarnos a muchas cosas. Entre ellas, la idea de que vamos a pasar un rato, emocionalmente hablando, bastante pesado sumado a una experiencia fílmica excepcional. Sin embargo, el director nos dio una cachetada con guante blanco al estrenar en 2021 Licorice Pizza, su película más… ¿ligera?, pero que no deja de lado la maestría con la que PTA hace las cosas.
Licorice Pizza es una cinta coming-of-age ambientada en la década de los 70 y que tiene como protagonistas a Alana, una chica de poco más de 20 años, y Gary, un chico de 15 años que comienzan una relación marcada por el tipo de amor más inocente. La película recibió tres nominaciones a los premios Oscar que contemplan Mejor Película, Director y Guion original. Licorice Pizza está en cines y AQUÍ les dejamos nuestra entrevista con Alana Haim.
There Will Be Blood
Disponible para compra y renta
De entre todas sus películas, Paul Thomas Anderson prefiere The Master. Esa es su favorita. Pero los fans difieren un poco, y se han ido más hacia Magnolia gracias al aspecto emocional de la cinta (algo raro, hemos de decir, entre las historias de PTA). Sin embargo, a la hora de ponernos objetivos, There Will Be Blood supera a cualquiera en todos los términos.
There Will Be Blood marcó el comienzo de una relación colaborativa entre Paul Thomas Anderson y Daniel Day-Lewis, lo cual es un punto a favor. Pero en realidad, la cinta es una obra maestra todo sentido: su narrativa, las proporciones de la producción, el tiempo, dirección, la música, su historia y en el desarrollo del personaje principal.
La cinta, la cual llegó en 2007 después de Punch Drunk Love, nos presenta a Daniel Plainview, un sociópata que descubre un yacimiento de petróleo que lo vuelve un hombre extremadamente rico. Y su ambición por acumular riqueza, relacionadas más al dinero que al poder, lo convierte en un monstruo que en cada oportunidad revela su odio por la humanidad, incluido él mismo. Para que se den una idea, adopta a un niño (hijo de un trabajador que pierde la vida) al que trata como si fuera un producto, un beneficio para hacerse más rico.
Además, y por si fuera poco, también marcó el inicio de una relación entre PTA y Jonny Greenwood. AQUÍ les dejamos algunos de sus trabajos en filmes, incluidos los de Paul Thomas Anderson. La cinta se llevó ocho nominaciones a los premios Oscar (Mejor Película y Director incluido) y dos estatuillas para Mejor Fotografía y Actor para Daniel Day-Lewis.
Kenneth Branagh
Injustamente, Belfast de Kenneth Branagh ha sido comparada de manera constante con ROMA de Alfonso Cuarón: las dos parten de las experiencias infantiles de los directores en una época problemática, revelan memorias y están en blanco y negro. Pero esas similitudes son apenas superficiales en dos producciones muy distintas que destacan por distintas razones y hacen, este 2021/2022 de Belfast, una de las cintas más destacadas.
Belfast está ambientada en Irlanda del Norte en la década de los 60, más específico en un periodo conocido como The Troubles que, en palabras simples, produjo un conflicto armado interno entre los protestantes y los católicos, revelando problemas políticos más profundos que los términos religiosos. Belfast nos da la oportunidad de ver la infancia de Kenneth Branagh y su familia mientras deciden si partir o no. La película está en cines y AQUÍ les dejamos nuestra entrevista con Jamie Dornan.
Hamlet
HBO Max
La carrera de Kenneth Branagh como director comenzó en 1989 con la adaptación de Henry V, la obra de William Shakespeare. De ahí le ha seguido una carrera que si bien se apoyó en este tipo de producciones, ha sido más variada entre live actions de clásicos de Disney como el de Cinderella, los orígenes de Thor en el MCU, y trabajos originales como In the Bleak Midwinter. Pero si hemos de mencionar el más destacado, tendría que ser Hamlet de 1996 protagonizada por él mismo (muy a la Laurence Olivier).
Viéndolo de manera objetiva, Hamlet es una película con un montón de “errores” a partir de una producción sumamente ambiciosa (dura poco más de 4 horas porque no se puede dejar nada fuera). Pero es justo esa intensidad de Kenneth Branagh como director, la que la hace una película única que para muchos se ha convertido en la mejor adaptación de esta obra (de las cuales se cuentan unas seis, incluida la de los 90).
La cosa que resulta sorprendente es que Branagh, como decíamos, no dejó nada afuera. Por lo que la obra completa está en la cinta entre muchísimos personajes, varios de ellos cameos, con un ritmo bastante acelerado que se sostiene, de manera espectacular, entre puros diálogos (en serio, no es una exageración si decimos que no hay pausas). Otra cosa que se ha aplaudido de esta versión de Hamlet, son las interpretaciones, incluida la de Kenneth Branagh como el príncipe de Dinamarca.
Hamlet se llevó cuatro nominaciones a los Oscar, uno director para Branagh por Mejor Guion adaptado, Score en una película de drama, Diseño de producción y Vestuario. La cinta fue aclamada entre la crítica, pero la taquilla fue bastante cruel al considerarse un fracaso rotundo comparado con el presupuesto y la campaña de promoción.
Ryūsuke Hamaguchi
Si hay algo que el director japonés siempre ha dejado claro, con sus propias palabras y entre sus cintas, es que busca crear personajes que sean demasiado ficticios para, así, relacionarse mejor con la audiencia. “Creo que quiero comunicarme con gente que dice la verdad”, dijo alguna vez, y qué mejor manera de hacerlo con que con cintas realistas, pero que se conservan en el mundo de la ficción. Después de varias cintas bastante destacadas, es que en 2021 estrenó Drive My Car, la más exitosa de todas.
Drive My Car está basada en el cuento corto de Haruki Murakami que nos presenta a un director de teatro que acaba de enviudar. Así que mientras se involucra en un nuevo proyecto, descubre que su esposa le fue infiel con uno de los actores involucrados. La cinta se llevó un premio en el Festival de Cannes por Mejor Guion y llegará al catálogo de Mubi en Latinoamérica.
Happy Hour
Si creían que Drive My Car era una película larga, prepárense… porque Happy Hour dura cinco horas y cachito. Y cuando pensamos que podría ser más corta o concisa, descubrimos que tiene el tiempo perfecto para mostrarnos una historia extremadamente íntima enfocada en cuatro personajes femeninos y lo que sucede en el día a día. Happy Hour tiene como protagonista a cuatro amigas, todas entre los 30 y de clase media. Jun es el común denominador entre todas, pues las conoce por separado y lleva más de 20 años de amistad.
Las cuatro son o fueron mujeres casadas. Dos continúan con su matrimonio entre frialdades y posibles engaños. Una está divorciada. Y la otra, Jun, toma la decisión de divorciarse y arriesgarlo todo. Parece que la película se centra en sus situaciones románticas, pero en realidad, las confesiones que se dan entre ellas y vienen de aquí, son un pretexto que dan paso para algo más profundo que revela la intimidad de una amistad, de un trabajo, de los miedos y aspiraciones.
La película comienza a tomar forma y sorprendernos cuando Akari, Jun, Sakurako y Fumi, invitadas por esta última, se suman a una especie de seminario donde se comienzan a dar distintas revelaciones en temas y cuestiones que nunca creyeron habrían sido un secreto entre ellas. Sí, Happy Hour habla sobre amistad y confianza, pero va más allá al establecer una relación emocional que crece para sí mismas y se proyecta para las demás.
Happy Hour es una película única. Es esa clase de producción, sin embargo, que se suman a un montón de títulos que ven la luz muy poco o a medias. Pocos venues como el MOMA, le dieron chance de proyectarse con sus más de cinco horas, una vez al día. Pero más allá de eso, la cinta no fue muy mencionada al grado de que no figuró ni en los premios de la Academia. Pero para buena fortuna, Happy Hour sí llegó a otros festivales como el de Locarno donde las cuatro protagonistas compartieron el premio de Mejor Actriz, más una mención especial para Hamaguchi por su trabajo en el guion.
