Este 22 de octubre arranca la edición número 20 del Festival Internacional de Cine de Morelia, también conocido como FICM, la fiesta de cine más importante de nuestro país. Este año, al igual que a lo largo de estas dos décadas, la Selección oficial está llena de filmes destacados de nuestra filmografía entre ficciones y documentales, largos y cortos.
Pero también son los estrenos internacionales los que nos tienen muy emocionados con las actividades que se llevarán a cabo a lo largo de la semana. Así que para ir calentando motores, por acá les dejamos una lista de las 10 imperdibles del FICM 2022 entre cintas nacionales e internacionales.
Manto de gemas
Natalia López Gallardo
(Selección oficial de Largometraje Mexicano)
Cuando hablamos del espectro de la violencia en México, hemos de reconocer las distintas aristas no sólo de su origen, sus formas de manifestarse y las consecuencias que trae consigo. Pero es un tema tan complejo y doloroso que, desesperados, lo concentramos en un mismo círculo que acorta la conversación.
Para bien o para mal (ahorita vamos a eso), a través de las manifestaciones artísticas como el cine, es que se han explorado algunos de esos ángulos. Quizá de maneras repetitivas en las historias, o incluso un tanto simplistas , pero siempre poniendo sobre la mesa la conversación de las distintas realidades que se viven México.
Ahora es el turno de Manto de gemas de Natalia López Gallardo, quien con su ópera prima, aborda una variedad de violencias que coexisten y se sustentan unas a otras. Aquí conocemos a Isabel, quien se muda al campo y donde conoce a María, una trabajadora del hogar que tiene una hermana desaparecida.
En la historia se involucra Roberta, una comandante que no sólo ve lo rebasadas que están las instituciones locales frente a la ola enorme de crímenes, sino que se enfrenta a la posibilidad de que su hijo Adán se vea involucrado con un grupo criminal.
Manto de gemas, la cual se estrenó en competencia en la Berlinale 2022, aborda el tema de las desapariciones forzadas, los feminicidios y la violencia machista, corrupción, reclutamiento, secuestros y la pobreza. El elenco está integrado por Nailea Norvind, Antonia Olivares, Juan Daniel García Treviño y Aida Roa.
Triangle of Sadness
Ruben Östlund
La ganadora de la Palma de Oro este 2022 en el Festival de Cannes, Triangle of Sadness, forma parte de los estrenos internacionales del FICM. La cinta recibió críticas mixtas tras su proyección como parte de la competencia, pero finalmente se alzó con el máximo galardón, el segundo para Ruben Östlund en los últimos cinco años.
En 2017 estrenó The Square y se llevó la Palma, y ahora regresa con una sátira donde un grupo de multimillonarios chocan con los trabajadores de un yate de 250 millones de dólares que no tienen permitido decirles que no. Ante las solicitudes más absurdas y estúpidas, el crew debe sonreír y ceder ante sus deseos.
Al mismo tiempo vemos a una pareja de modelos de pasarela que disfrutan del viaje, y que se convierten en parte de un trágico naufragio tras una tormenta. Todos estos personajes, han de sobrevivir de una u otra forma en una isla desierta. ¿Y adivinen quiénes tienen la mayor capacidad para hacerlo?
Entre los protagonistas de Triangle of Sadness están Woody Harrelson, Harris Dickinson, Charlbi Dean Kriek y Dolly De Leon. Esta cinta no es el mejor trabajo de Östlund, pues ese lugar le pertenece a Force Majeure, pero sí es una de las más divertidas.
El norte sobre el vacío
Alejandra Márquez Abella
(Selección oficial de Largometraje Mexicano)
“Él extiende el norte sobre el vacío, y cuelga la tierra sobre la nada“, se lee en un pasaje de la Biblia sobre la creación del mundo y cómo Dios lo sostiene con o sin la fe de los feligreses. Esta parte da título a la última película de Alejandra Márquez Abella, quien destacó en 2018 por Las niñas bien y su trabajo en televisión en series como Narcos: México.
El norte sobre el vacío está ambientada en un rancho en Nuevo León comandado por don Reynaldo, un conocido cazador de la zona al que le ha estado fallando la puntería. Caso contrario al de Rosita, una joven que trabaja con él desde que era niña (y de hecho, solía llamarlo “padre”).
Reynaldo le insiste a su hermano Arnulfo que no abandone la tierra, esto después de que dos de sus vacas fueran quemadas. Sin embargo, Rey decide permanecer con su familia para cuidar el legado de su padre, sólo para enfrentarse a un par de sicarios que le piden un pago por protección.
El protagonista cede ante la amenaza, pero no sin antes pelear contra ellos. El clímax de El norte sobre el vacío llega hacia el final, pero durante toda la película logra crear una atmósfera de constante tensión en un escenario desolador, el cual se asemeja a la vida de los trabajadores del lugar.
El elenco de la película es grandioso. El protagonista es interpretado por Gerardo Trejo Luna, Dolores Heredia, Paloma Petra, Juan Daniel García Treviño, Mayra Hermosillo, Francisco Barreiro y Raúl Briones.
Broker
Hirokazu Koreeda
Cuatro años después de haberse llevado la Palma de Oro con Shoplifters en el Festival de Cannes, es que Hirokazu Kore-eda vuelve con un drama que te sacará muchas lágrimas. La grandeza del cineasta japonés viene en parte de narrar historias con personajes multidimensionales en donde expone su historia no para justificar los actos que realizan, sino para que la audiencia pueda crear un vínculo con ellos.
En otras palabras, podríamos decir que Kore-eda es un humanista. Y Broker no es la excepción, sino todo lo contrario. Esta película arranca con una joven mujer que abandona a su hijo con una nota que contiene la promesa de volver. Es así como dos brokers (en realidad trafican con niños, pues les buscan un hogar de manera ilegal negociando un precio con las familias).
Cuando encuentran al bebé, pronto encuentran a la madre, con quien realizan un viaje en una van para intentar encontrarle una familia al bebé con la idea de que tendrá un mejor vida con alguien más. Un par de policías los persiguen con la intención de atraparlos en el acto y arrestarlos.
Poco a poco descrubrimos le historia de cada uno de ellos. Como mencionamos, el director no nos revela el pasado para jusitificar algunas acciones atroces o que llegan a chocar con el carisma de los personajes, sino para crear un vínculo de entendimiento en un mundo que no es ideal para la mayoría.
Por ejemplo, uno de los brokers es Dong-soo, quien fue abandonado por su madre cuando era un bebé. Ella, al igual que muchas mamás, dejó una nota en la que prometía volver, pero nuna lo hizo. ¿Qué hay detrás de la decisión de Dong-soo se “vender” bebés abandonados?, ¿es acaso un acto de empatía o una forma de proyectar el dolor del abandono? Y así surgen preguntas con cada uno de los personajes.
Otro de los puntos más destacados es el elenco, el cual va comandado por Song Kang-ho, a quien reconocemos como el padre de familia en Parasite y uno de los actores más aclamados del cine asiático. Junto a él aparece Gang Dong-won de Península, Lee Ji Eun (cantante de k-pop mejor conocida como IU) y Bae Doona de Sense8.
Malitzin 17
Mara y Eugenio Polgovsky
(Selección oficial de Documental Mexicano)
Este documental es uno de los títulos más interesantes de la selección del FICM, y también uno de los más emocionales. En 2016, el documentalista Eugenio Polgovsky filmó a una tortolita que hizo un nido afuera de su ventana en la Ciudad de México.
Este sólo fue el pretexto para generar un montón de imágenes que se convertiría en parte de una película, pero que no se logró tras la inesperada muerte del cineasta. Fue así como su hermana Mara, también directo, encontró el material y logró reunirlo en el documental Malintzin 17.
El trabajo de Mara es sensacional, pues logró convertir a Milena, su sobrina, en la protagonista de esta historia para retratar la compleja relación de un padre con su hija, asociado con la presencia de un pájaro que anida. Desde la ventana de su casa, descubrimos lo que Milena piensa, qué preguntas hace y cómo descubre el mundo.
Malintzin 17 también funciona como una ficción, la cual tiene el propósito de potenciar el centro de la historia, que es la paternidad. De acuerdo con la cineasta, varias personas que ya habían trabajado con Eugenio, se involucraron en el proyecto, lo cual hace que se conserve, con mucha sensibilidad, el estilo del director.
Decision to Leave
Park Chan-wook
Park Chan-wook es mundialmente conocido por la trilogía de la venganza, la cual se integra de los espectaculares y crueles títulos Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy y Lady Vengeance. AQUÍ les contamos más sobre la trilogía. De a poco, el cineasta coreano fue moldeando sus historias hacia los thrillers psicológicos y de horror, igual de espectaculares, como Thirst y The Handmaiden.
Y es entre estas dos “etapas”, entre recursos visuales y narrativos, que regresó este 2022 con Decision to Leave, la cual se estrenó en competencia en el Festival de Cannes y llega a México con el FICM. Sin duda, es una de las películas más esperadas del año, y las críticas aseguran que Park Chan-wook las cumple en su totalidad.
Decision to Leave tiene como protagonista a Hae-Joon, un policía casado con Jung-an en una relación relativamente tranquila. Hay cierta inconformidad de parte de él porque ella, por ejemplo, no lo deja fumar, pero nada grave… o al menos eso parece hasta que entendemos que Hae-Joon sufre de insomnia.
Las cosas se complican, de alguna manera, cuando un nuevo caso llega a su escritorio: el cuerpo destrozado de un escalador. Parece un accidente en un inicio o un posible suicidio, pero la investigación gira en torno a un homicidio cuando descubren, en el celular de la víctima, fotos de una mujer que ha sido abusada física y sexualmente.
Es así como Hae-Joon entra en contacto con Seo-rae, la esposa de la víctima, una mujer de origen chino que llegó a Corea de manera ilegal tras los relatos de su abuelo posteriores a la invasión japonesa. El detective comienza a enamorarse de ella, y pronto tendrá que tomar una decisión respecto a su matrimonio.
Las actuaciones de Park Hae-il como Hae-Joon, Lee Jung-hyun como Jung-an y Tang Wei como Seo-rae, son excepcionales en un drama que pone sobre la mesa un montón de conversaciones sobre las relaciones humanas, y cómo proyectamos nuestros peores miedos en los lugares que más nos hacen sentir seguros.
Ruido
Natalia Beristáin
(Selección oficial de Largometraje Mexicano)
El tema de las desapariciones forzadas y los feminicidios, ha sido constante en el cine mexicano en los últimos años entre cintas como La civil, Sin señas particulares o Noche de fuego, por mencionar algunas que se estrenaron el año pasado. Y es comprensible.
Es tan abrumador, que se mantiene en las sombras de lo que nadie quiere reconocer para evitar enfrentarse con una realidad que ha roto a cientos de miles de familias en México, y que sólo empeora. Ahora es el turno de abordar el tema a Natalia Beristáin a través de Ruido, protagonizada por Julieta Egurrol (su madre) y Teresa Ruiz.
Ruido nos presenta a Julia, mamá de Gertrudis, quien lleva nueve meses desaparecida. La única certeza que tiene Julia es que su hija era feliz y que ahora no sabe cómo se siente porque está ausente. Y como muchas otras madres, hijas o hermanas, sale a buscarla.
La película se estrenó en San Sebastián y conmovió a la audiencia al mostrar, casi con una mirada documental, las relaciones y acompañamientos que se forman en los tiempos más complejos, violentos y difíciles, en las guerras. Y México se encuentra entre distintas guerras, una de las más desgarradoras la que sostiene contra las mujeres.
Empire of Light
Sam Mendes
Cualquier cosa que integre a Olivia Colman en sus créditos, nos tiene atrapados. Sin duda, es una de las mejores actrices en la actualidad gracias a su versatilidad que la ha llevado a interpretar, en los últimos años, una variedad enorme de personajes que van desde una cínica madrina en Fleabag y una reina devastadora en The Favourite, hasta la sobria reina Isabel II en The Crown hasta la hija desesperada de un señor con demencia en The Father.
Y ahora, se pone bajo la dirección de Sam Mendes, quien vuelve después del éxito de 1917 con Empire of Light. Han de saber que Mendes volvió a hacer equipo con Roger Deakins, quien se llevó un merecido Oscar en 2020 por su trabajo en 1917. Así que les podemos asegurar que visualmente hablando es bellísima.
Empire of Light, ambientada a principios de los 80, nos presenta a Hilary, una solitaria mujer que trabaja como gerente en un cine conocido como Empire. Vende boletos, los recibe a la entrada, se mete a ver algunas películas y luego limpia la sala.
Las personas más cercanas a ella, por decirlo de alguna manera, son el resto de los trabajadores del Empire como el otro gerente llamado Ellos, el proyeccionsita Norman y los asistentes Neil y Janine. En una época de crisis económica, la gente no va al cine, y algunas de las salas del lugar tendrán que cerrar. Es así que llega como empleado Stephen, un joven afrodescendiente, quien comienza una relación cercana con Hilary.
Colin Firth, Toby Jones, Tom Brooke, Hannah Onslow y Micheal Ward completan el elenco de Empire of Light.
Huesera
Michelle Garza Cervera
(Selección oficial de Largometraje Mexicano)
Ser o no ser madre, he ahí el dilema para la mayoría de las mujeres. La indecisión respecto a la maternidad, pone a las mujeres en un limbo físico y cultural/social en la que no están asociadas al desde se formar una familia, y del otro lado, el absoluto de decir que uno no se quiere convertir en madre.
Muchas mujeres que se encuentran en este impasse, se decantan por la maternidad, la cual nos han enseñado, sobre todo en las sociedades más patriarcales, que se trata de puro sacrificio, ofrendas emocionales y dolor físico. Y son estas tres “obligaciones” impuestas a una madre, las que explora Michelle Garza Cervera en su debut como directora titulada Huesera.
Huesera es un thriller psicológico que de a poco se convierte en una película de terror que explora y explota recurso del horror corporal como nunca se había visto en el cine mexicano, nos atrevemos a decir. La protagonista es Valeria, interpretada de manera magistral por Natalia Solián, una mujer que le reza a la virgen de Guadalupe para convertirse en madre.
¿Pero de verdad es lo que desea o sólo está cumpliendo con los lineamientos sociales y las expectativas que los demás tienen sobre su vida y su cuerpo? Cuando descubre que está embarazada, la atmósfera interna de Valeria se llena de ansiedad frente a las palabras de otras mujeres que han experimentado la maternidad: duele, cada vez, y sientes que el cuerpo se te parte en dos.
La directora crea una atmósfera aterradora con imágenes atroces, pero sobre todo con el sonido, en el cual es constante el ruido que sucede cuando alguien se truena, por ejemplo, los huesos de los dedos de las manos. Alfonso Dosal también aparece en la cinta.
Armageddon Time
James Gray
La mayoría de los textos sobre Armageddon Time, la última película de James Gray, es descrita como una historia coming-of-age durante los tiempos de Ronald Reagan durante la época de los 80, una década bastante complicada a nivel internacional, pero sobre todo internamente en Estados Unidos entre conflictos de ideologías y la permanencia del racismo y la discriminación.
A eso se tuvieron que enfrentar los jóvenes como el protagonista del filme, un niño a punto de entrar a la adolescencia llamado Paul Graff, la tercera generación de una familia judía de migrantes ucranianos (el primero en llegar a América fue su abuelo Aaron Rabinowitz, quien nació en Liverpool tras la fuga de su madre del territorio del este).
Paul comienza una amistad con Johnny Davis, un joven afroamericano de su escuela con quien hace algunas “travesuras” de las cuales, sólo hay consecuencias para Johnny. Es así como un día, ambos se meten a fumar un churro de marihuana al baño donde son descubiertos.
Los padres de Paul, Irving y Esther (y el abuelo Aaron, sobre todo), deciden enviarlo a un colegio privado donde se enfreta a jóvenes que vienen de hogares racistas. Su abuelo habla con él cuando Paul comienza a ser cómplice de algunos pensamientos racistas con tal de encajar en ese lugar.
Anthony Hopkins, Anne Hathaway y Jeremy Strong forman parte del elenco de Armaggedon Time, título que salió de un discuros de Reagan que hacía referencia a la pérdida de valores morales frente a la crisis.
