En medio de la temporada de premios para este 2022, y a sólo dos semanas de que se lleve a cabo la ceremonia de los Oscars, todos andamos de cinéfilos viendo las películas que competirán por la estatuilla de la Academia. Las nominadas a Mejor Película para este año son grandiosas, y las apuestas se van hacia un par (The Power of the Dog y Belfast) que han arrasado en otras ceremonias importantes.
Pero en lo que descubrimos cuál se suma a la exckusiva lista de ganadoras, por acá hicimos un repaso en la historia entre aquellas que se llevaron el máximo galardón desde que arrancó esta celebración de la década de los 20. Nos fuimos década por década para elegir una película (no la mejor, pero la que nos parece más interesante) y ver cuántos premios se llevó, cuáles, por qué resultó la ganadora del año y además, con el plus de que están disponibles en plataformas de streaming.
Los 30
Si hemos de recordar la década de los 30 en el cine con una película, esa sería Gone With the Wind (Lo que el viento se llevó) de Victor Fleming con el protagónico de Vivien Leigh y Clark Gable junto a Hattie McDaniel, la primera mujer negra en llevarse un Oscar (Mejor Actriz de Reparto).
Esta película es un clásico. Pero en realidad, la década está llena de grandes películas con tramas bélicas, western, dramas, musicales y hasta comedias románticas. Y es en este último género, que queremos hablar de It Happened One Night, una joya disponible en streaming.
It Happened One Night (1934)
HBO Max
It Happened One Night es una cinta dirigida por Frank Capra con Claudette Colbert y Clark Gable. La película nos presenta a Ellie, una joven de 21 años de clase alta que decide huir del yugo de su padre después de casarse con un “farsante”. Su padre está enojado y le prohibe estar con él, por lo que Ellie se lanza al mar en Miami y escapa en un camión rumbo a Nueva York para encontrarse con su esposo.
Ahí se encuentra con Peter Warbe, un periodista que acaba de perder su trabajo y con quien Ellie viaja tras perder su maleta y el dinero que traía para el viaje. It Happened One Night es una comedia romántica que nos muestra la “inocencia” de Ellie para vivir en el mundo real y cómo Peter ve en ella, la heredera que escapó, una buena historia para recuperar su lugar en el periódico.
Es impotante la época en al que apareció y está ambientada la película, así como la historia que sigue. Ellie es una futura heredera que vive en medio de la Gran Depresión, por lo que le toca ver una situación económica insostenible de la que no tenía ni idea. Eso le da grandes matices más allá de la comedia y el romance que se establece entre los dos protagonistas.
Otro dato importante es que It Happened One Night fue una de las últimas películas en rodarse y estrenarse antes de que se (auto)impusiera el infame Código Hays en el que se prohibía toda alusión al sexo en las películas. El filme de Capra nunca comparte un beso entre sus protagonistas, pero vaya que muestra cierta tensión entre ambos con algunos accidentes que aluden al sexo. Nada grave… pero en esa época significó algo.
La cinta recibió cinco nominaciones a los premios Oscar y arrasó con todas las menciones: Mejor Película, Actriz y Actor. Lo mismo para Capra como Director y el trabajo que se hizo en la adaptación del guion. Así se convirtió en la primera película en llevarse las categorías más importantes de la Academia.
Los 40
De manera similar a los 30, en la década de los 40 hay una película definitiva que no sólo se considera como una de las más destacadas de todos los tiempos, sino una de las mejores entre los listados. Hablamos de Casablanca de Michael Curtiz con los icónicos Ingrid Bergman y Humphrey Bogart.
Pero más allá de su innegable importancia, también se reconoce una época en la que a pesar de que el cine se vio en crisis por la Segunda Guerra Mundial, nos regaló películas que han sido determinantes como Rebecca de Hitchock, más romances llenos de drama, thrillers, adaptaciones épicas como la de Hamlet, el drama político de All the King’s Men o How Green Was My Valley. Pero cabe destacar la presencia de Gentleman Agreement de Elia Kazan.
Gentleman Agreement
Star+
Gentleman Agreement de 1947, bajo la dirección de Eliza Kazan, está protagonizada por Gregory Peck como Phil Green, un carismático periodista que cuida de su hijo tras la muerte de su esposa. Se acaba de mudar a Nueva York para tomar un nuevo trabajo en una revista que le pertenece a John Minify. Durante una fiesta, este sujeto le presenta a su sobrina Kathy, quien le da la idea de escribir sobre el antisemitismo.
Cuando comienza a preparar el trabajo, Phil no entiende cómo empezar a escribir el artículo, ni siquiera revisando las estadísticas tras el impacto de la Segunda Guerra Mundial. El problema está en que el protagonista no ha vivido en carne propia el ser un judío y enfrentarse a la violencia y discriminación del día día. Por lo que se hace pasar por judío para reconocer los problemas.
Busca trabajo, aplica para membresías de distintos clubes, pretende entrar a lugares… pero en todos lados es rechazado. A diferencia de la era de Jim Crow, la discriminación contra los judíos nunca fue “oficial”, pero se daba de maneras sutiles y en términos meramente sociales, laborales y económicos.
La autora Laura Z Hobson, cambió su nombre y apellido para encontrar trabajo en la época, y este es uno de los detalles que se reflejan en la cinta. Sin embargo, la película también está llena de detalles que ahora, parecen absurdos entre la historia y las intepretaciones: como cuando la prometida de Phil comienza a pensar que Phil está ya convencido de ser judío.
Gentleman Agreement recibió ocho nominaciones a los premios Oscar, llevándose tres estatuillas para Elia Kazan como Mejor Director, Mejor Actriz de Reparto para Celeste Holm, y desde luego, Mejor Película.
Los 50
En los 50 se estrenó una de las películas más grandes, en el sentido más literal de la palabra, de todos los tiempos. Fue Ben-Hur de William Wyler, la cual se convitió en su momento en la cinta con mayor presupuesto, llevándose también un total de 11 nominaciones a los premios de la Academia. Pero no estamos aquí para hablar de este drama épico, sino del musical An American in Paris de 1951.
An American in Paris
HBO Max
An American in Paris es una película de Vincente Minnelli de 1951 protagonizada por el mítico Gene Kelly. Se trata de uno de los mejores musicales, ocupando el noveno lugar en la lista de Greatest Movie Musicals del American Film Institute, y ocupa el lugar 68 en la lista de las 100 mejores películas americanas de todos los tiempos.
El filme tiene como protagonista a Jerry Mulligan, un estadounidense que vive en Montparnasse e intenta hacerse de una vida como pintor. Junto a él está un estudiante de piano llamado Adam Cook y Henri Baurel, un cantante que trabaja con Adam. Un día, Jerry se da cuenta que estña enamorado de la prometida de Henri.
La película fue bastante aclamada en la época a partir de que en cada número musical en el que los personajes bailaban, se utilizaban como recursos extra la escenografía y los espacios en los que se desenvolvían. Para muchos, An American in Paris forma parte de la era de oro de MGM en cuanto a los filmes musicales.
De hecho, la película se convirtió en el tercer musical en llevarse el Oscar a Mejor Película sólo por detrás de The Broadway Melody (1929) y The Great Ziegfeld (1936). Esta producción tuvo siete nominaciones, llevándose a casa otras como Guion, Fotografía y Diseño de producción. Incluso se llevó un Oscar especial por una coreografía de 18 minutos.
Los 60
Como les contábamos, los musicales reinaron durante varias décadas, y en los 60 no fue la excepción con el estreno de The Sound of Music de Robert Wise con la encantadora Julie Andrews y el espectacular Christopher Plummer. El éxito de esta cinta fue tan grande, que sigue siendo el musical más taquillero en la historia, salvando de la bancarrota a 20th Century Fox después del fracaso de Cleopatra. AQUÍ les contamos más de esta cinta.
Pero para el cierre de los 60, se estrenó una película que se alejaba de la magia de los musicales, del paisaje austriaco y la voz de Andrews como una novicia rebelde. Se trata de Midnight Cowboy de John Schlesinger.
Midnight Cowboy
MGM
Midnight Cowboy es una cinta de 1969 protagonizada por Jon Voight y Dustin Hoffman. Voight da vida a Joe Buck, un lavatrastes de Texas que se lanza a Nueva York pensando que gracias a su apriencia, podría seducir a mujeres de alta sociedad para sacarles dinero (como Paul Newman en Hud). Es así como conoce a Ratso, un hombre enfermizo y con quien se va a vivir a un edifico en ruinas después de que le roba dinero.
Esta cinta, bajo la misma narrativa de Taxi Driver, nos muestra las partes más decadentes de la ciudad de Nueva York en medio de un caos en el que ninguno de sus protagonistas logran hallarse. Joe y Ratso se encuentran en condiciones miserables, están solos y se enfrentan a un mundo que los rechaza por distintas razones, y esa relación es la que construye una trama bastante trágica alrededor de la supervivencia.
Cuando Joe se da cuenta de que no podría manejar a las mujeres como él creía, descubre una oportunidad de aprovechar su físico en las salas oscuras entre encuentros sexuales con hombres. Y sin anunciarse, también se da cuenta que la única persona que puede conocer es Ratso, quien supuestamente lo ayuda a encontrar mujeres, pero en realidad, lleno de inocencia, lo hunde entre humillaciones que Joe no termina de entender hasta que se encuentra en medio de ellas.
Midnight Cowboy se llevó siete nominaciones a los premios Oscar, con tres estatuillas en las categorías de Mejor Película, Director y Guion adaptado. Las actuaciones de ambos, pero sobre todo de Hoffman, le valieron la aclamación a una cinta que conforme pasa el tiempo, se hace más revelante sin perder la crudeza.
Los 70
Los 70 fue una de las mejores década del cine entre grandes ganadoras del Oscar que dejaron atrás, a veces de manera un poco sorpresiva, a otras películas impresionantes. Por ejemplo, entre las controversias al inicio de la década, estuvo el triunfo de The French Connection (AQUÍ les contamos más de esta cinta) frenta a cintas como A Clockwork Orange o la de Rocky frente aAll the President’s Men y Taxi Driver. Pero quizá las cintas, entre las ganadoras, que más destacan son las dos primeras entregas de El padrino en manos de Francis Ford Coppola.
El padrino / El padrino II
HBO Max
En 1972, El padrino se llevó 11 nominaciones a los premios Oscar con tres estatuillas para el director, Marlon Brando como actor principal y máxima categoría de Película. Cinco años después, la segunda parte recibió otras 11 menciones con 6 estatuillas en las que se repitió Película y Director y ahora Actor de Reparto para Robert De Niro.
La película es una adaptación de la novela homónima de Mario Puzo que nos presenta a la familia Corleone liderada por Vito, un migrante italiano que llega a Estados Unidos, desde Sicilia, tras el asesinato de sus padres y hermano en manos de un mafioso de la zona. Vito comienza a crear toda una estructura que lo convierte en un “padrino”, encargado de algunos negocios en distintas zonas del país bajo la protección del gobierno.
La primera entrega nos muestra los últimos años de Vito a la cabeza de los Corelone mientras se resisten a entrar al negocio de los drogas (a diferencia de las otras cuatro grandes familias). Por acá vemos cómo se van acomodando y quién se perfila para convertirse en el nuevo don de la familia. Y la segunda es el ascenso al poder de Michael mientras vemos en recuerdos el inicio de Vito Corelone (desde su trágica historia en Sicilia hasta la primera vez que lo ven cómo padrino).
Estas entregas de El padrino son consideradas, por muchos, como dos de las mejores películas en la historia, y sin duda, las mejores dentro del género de la mafia gracias a la gran historia, las enormes actuaciones de todo el elenco, el contexto histórico y la prresentación de la vida de la mafia en una época donde quedaba romantizado el proceso de la misma. Coppola no se detuvo en nada con estas dos cintas.
Los 80
Los 80 fue otra gran década que al igual que su predecesora, vio grandes cintas entre sus ganadores, pero también implicó que se dejaran de lado algunas producciones que merecían el mismo reconocimiento. Por mencionar una, los 80 arrancaron con el triunfo de Ordinary People de Robert Redford, pero dejando de lado The Elephant Man de David Lynch y Raging Bull de Martin Scorsese. Entre las ganadoras, está Platoon de Oliver Stone.
Platoon
MGM / Prime Video
Platoon fue el inicio de la trilogía de Oliver Stone enfocada en la Guerra de Vietnam a partir de su propia experiencia como soldado durante esta misma guerra. La cinta inicia con la llegada de Taylor (Charlie Sheen) a la frontera con Camboya junto a un batallón donde con el paso del tiempo, comienzan a salir problemas internos derivados del consumo de drogas y el juego de jerarquías que termina en la pérdida de humanidad de los soldados.
El hecho de que Stone viviera la guerra por sí mismo, permitió que la película se convirtiera en uno de los retratos más crudos sobre los enfrentamientos bélicos, esta vez desde la perspectiva de un soldado de infantería del que vemos cómo sufre de cansancio, por la picadura de hormigas y mosquitos, largas caminatas, privación del sueño, lluvia, el rechazo de los veteranos, pero también ver cómo se sentían estimulados por la idea de masacrar toda una villas o el intento de violar a unas niñas.
Otro de los puntos más destacados de Platoon es que se sale de la línea de las cintas de guerra en la que hay un aparente orden. Aquí todo está desorganizado en el buen sentido de la palabra, pues así como vemos que un Taylor está completamente desorientado dentro y fuera de combate, las audiencias lo van siguiendo sólo con una cosa muy clara: algo malo va a suceder muy pronto. Y sucede.
Platoon se llevó ocho nominaciones a los premios Oscar con un total de cuatro estatuillas incluida Mejor Película y Director. Tom Berenger y Willem Dafoe se llevaron una merecida nominación como actores de reparto, pues son quienes sostienen la cinta y revelan que el conflicto era un completo desastre no sólo porque estaban peleando en un territorio ajeno, tampoco porque la narrativa siempre fue falsa. Sino porque entre el mismo bando había diferencias entre quienes se sostenían con algo de moral y quienes se convertían en unos salvajes esperando protegerse.
Los 90
Los 90 siempre serán recordados por la infame ceremonia de 1990 en la que Dances with Wolves se llevó el Oscar por encima de Goodfellas… Goodfellas. A pesar de que hubo algunas ganadoras que no nos convencieron, la calidad de la enorme cantidad de cintas siempre será recordada con títulos como American Beauty (AQUÍ les contamos más), Titanic, Schindler’s List y la que nos parece marcó toda la década: The Silence of the Lambs de Jonathan Demme.
El silencio de los inocentes
MGM
The Silence of the Lambs de Jonathan Demme fue la primera película de terror en llevarse a máxima categoría de los Oscars. La película nos presenta a Clarice Starling, una joven agente del FBI que está a cargo de la investigación sobre Buffalo Bill, un asesino en serie que secuestra a la hija de una reconocida política.
Para entender la psicología del criminal, decide comenzar una serie de pláticas con el doctor Hannibal Lecter, un reconocido psiquiátra que practicaba el canibalismo con sus víctimas. Este le ayuda a llegar a distintas conclusiones al ofrecerle cierta información, pero a cambio le pide que ella le cuente algunos aspectos personales e íntimos de su vida para asumir una dinámica de control entre ambos.
La relación entre Jodie Foster y Anthony Hopkins es extraña, pero al mismo tiempo magnética al desenvolverse entre el miedo y la manipulación. Lo fascinante y perturbador de un filme como The Silence of the Lambs, radica en que no hay necesidad de presentar al protagonista de manera gráfica ni literal. Desde un inicio llega con el personaje y está tan bien escrito, que desde un inicio resulta aterrador y misterioso.
La película se llevó siete nominaciones a los premios de la Academia y cinco estatuillas en las categorías más importantes como Dirección, Guion adaptado, Actor, Actriz y Película. Aunque las secuelas y una precuela no lograron alcanzar el mismo nivel, esta película se mantiene en uno de los puntos más altos como un clásico del género.
Los 2000
Elegir la mejor película de la primera década del nuevo milenio es imposible, incluso entre las ganadoras en la catyegoría de Mejor Película de los Oscar. Quizá podemos desechar algunas como A Beautiful Mind, Chicago, Crash (de esta no tenemos comentarios), pero con las demás las cosas se complican bastante.
Es como si les diéramos a elegir entre Gladiador, Million Dollar Baby, The Departed, No Country for Old Men, Slumdog Millionaire, The Hurt Locker o aquella que arrasó en todos lo niveles y en todos los sentidos: El señor de los anillos: El retorno del rey de Peter Jackson, seguiría siendo imposible.
El señor de los anillos: El retorno del rey
HBO Max
Cuando repasas la historia de los premios de la Academia, encuentras una constante entre las películas que se llevaron nominación y aquellas que ganadoron. Lo miembros suelen seguir algunas tendencias y dejan ir oportunidades grandes dentro de la experiencia fílmica. Pero en 2003, el género de fantasía, por primera vez, ocupó un lugar con El señor de los anillos: El retonro del rey.
Para cuanto inicio la filmación de El señor de los anillos, New Line Cinema producía películas independientes. Pero le dieron el voto de confianza a Peter Jackson (quien venía de hacer películas de bajo presupuesto). Y lo dejaron hacer lo que quería: un elenco de actores no conocidos, filmada y editada en Nueva Zelanda con una de las obras de fantasía y épicas más conocidas. Era muy riesgoso, pero valía la pena.
En las dos primeras cintas se acumuló un éxito sin precedentes que le dieron a los ejecutivos la oportunidad de apostarle, una vez más, todo en la campaña para los Oscar. Y lo lograron. El retorno del rey es el cierre de la trilogía que nos muestra la batalla final en Gondor y la llegada de Frodo y Sam a la Montaña de Fuego en Mordor.
La comunidad del anillo se llevó 13 nominaciones, pero sólo cuatro premios en categorías técnicas. Nada de sorprenderse. Las dos torres tuvo seis nominciones y apenas dos premios técnicos. En cambio, El retorno del rey se llevó 11 nominaciones a los premios Oscar y salieron limpios con 11 estatuillas. Esta cantidad de premios sólo los tienen cintas como Ben-Hur y Titanic, pero ellos con más nominaciones aún.
Los 2010
A partir de aquí las cosas se pusieron muy diversas entre las ganadoras de los Oscar. No sólo porque ya se quedó la tendencia de nominar 10 películas en la máxima categoría (lo cual es bueno), sino porque las apuestas de la mayoría terminaban fuera por la que menos probabilidades tenía de ganar.
Por ejemplo, The King’s Speech ganó frente a The Social Network o Argo frente a Amour. Pero si hay dos cintas representativas y merecedoras del premio, son Birdman o la inesperada virtud de la ignorancia de Alejandro González Iñárritu y Parasite de Bong Joon-ho.
Birdman
Star+ / Prime Video
La elección de Michael Keaton para protagonozar Birdman fue perfecta. Un actor que alguna vez interpretó a un mítico superhéroe (Batman) en la cúspide de su carrera para luego desaparecer entte personajes irrelevantes y películas sin trascendencia. En Birdman, Keaton da vida a Riggan Thomson, un actor que intenta revivir su carrera con una obra de teatro basada en la obra What We Talk About When We Talk About Love de Raymond Carver.
Constantemente escucha la voz del personaje de Birdman que alguna vez interpretó para cuestionarlo, humillarlo y nublarle el juicio entre lo que es real y la fantasía. La película arranca con un día de ensayos antes del preestrenos en lo sque Riggan se quiebra, haciendo de su primera aparición en el escenario un desastre.
Cuando las cosas parecen complicarse para él y su obra, un “accidente” lo hace popular en internet y motiva al público para ir a verlo, pero sólo se da cuenta que el nuevo actor que contrató se ha robado toda la atención. Entre varios acontecimientos, como peleas constantes con su hija en rehabilitación, inaugura una “nueva forma de actuación” que lo lleva a la cima una vez más.
Birdman se llevó nueve nominaciones al Oscar llevándose cuatro premios de la Academia que contemplaron Mejor Película, Director, Guion original y Fotografía para Emmanuel “El Chivo” Lubezki, quien logró dar el efecto de una sola tomaque define a la cinta.
Parasite
Netflix
El mismo González Iñárritu, como presidente del jurado en Cannes en 2019, le otorgó a Parasite la Palma de Oro con un voto unánime y dándole el honor a Corea del Sur de su primer premio. En los premios Oscar se llevó seis nominaciones y cuatro estatuillas, incluida Mejor Película, la primera cinta extranjera en la historia en llevarse la máxima categoría además de Película Internacional.
Parasite nos presemta a una familia de cuatro donde los padres están desempleados y los dos hijos, quienes deberían ya estar en la universidad, se quedaron sin la posibilidad de pagar sus clases. Las cosas cambian cuando a Ki-woo le llega la oportunidad de ser un tutor de clases de inglés para una chica rica en Seúl. Cuando ven la oportunidad, incluyen a Ki-jung como maestra de arte para el menor de la casa.
Y así, sin darse cuenta, toda la familia trabaja para otra adinerada familia, pero esto sin revelar que tienen un vínculo familiar, aprovechándose de la incredulidad de la ama de casa con dinero para integrar a su padre y madre como chofer y ama de llaves. Sin poder describirla, esta cinta nos muestra un relato shakespereano donde dos familias opuestas se enfrentan.
Cada uno muestra sus diferencias entre poder, dinero y unión, pero lo que ambos comparten es la miseria. Descrita por Bong Joon-ho como “una comedia sin payasos y una tragedia sin villanos“, Parasite se convirtió en la película más destacada de la última década.
